Here is a mug with a chip in it. Besides, it is even slightly distorted. Nevertheless, there is no problem with drinking. It conforms to the function of the mug, but it does not fit the common sense and rational form associated with the mug. So why did the artist create a mug that lacks the same symbol as the artist 's work? What does the artist want to say through this intentional unfinished - this deliberate failure? 
It is said that the artist's work does not correspond closely with common sense and rationality. What is common sense and rationality? Who can define  common sense and rationality? Roland Barth said that myths arose when cultural facts look on as natural facts. In this sense, there is no culture, and no aesthetic custom not associated with ideology. Drawing an invisible line, which sets the boundaries of the public domain which society can tolerate, is common sense and reasonable. To put it in a little exaggeration, it is a scheme of a system that destroys all individuality. (I hate to admit it, but the utopia of the system is like an army society, driven by instrumental efficiency, with all individuality wiped out). Not every individual is categorized, universalized, or conceptualized. Therefore, all categories, universes, and concepts are temporary and arbitrary. The geopolitical position of art is on its arbitrary and arbitrary boundary, and by the experiment of form at its boundary it is always possible to redefine all categories, universes and concepts (and therefore art is unstable), and there is a logic of practice in it. 

Thus, the artist has been redefining the meaning of completion using intentional unfinished. From the present point of view it seems that Michelangelo's last years are modern, and even go ahead of the times. The aesthetic customs of that time and now are different, and the concept of completion becomes different. Is the work of the artist also same? At least for the planning itself, the artist 's work also has a similarity with the resetting of this concept.

The artist's work is ceramic. It is a sculpture making use of ceramic materials and techniques. There is a specificity of the artist 's work and an identity to be united by crossing the boundaries of ceramics and sculpture. After firing, the process of grinding the surface glaze is repeated several times to create the unique shape, texture, and color of the artist.
The Buddhist statues, disciples and people sitting in meditation are among them. However, there is nothing intact. The shapes are broken and stuck together. There are shapes with one arm falling off, a shoulder dying broken, and a hole in the chest. It seems that there is no clear obelisk here, but it looks like a young monk or a stone statue. They are people performing meditation. Right here is the key. Performing meditation is to see through one's inner side, and to meet another self (inner Buddhist spirit). Human identity is a double divide. If outer identity is a persona, inner identity is real identity. And as you know, persona came from the root of the mask. Therefore, it is the social subject, the institutional subject, the subject desiring the other, and the subject of the desire of the other. The fact that the subject is a mask is significant. So you have never seen me. I, therefore, always hid behind the mask. 

Confronting the inner Buddhist spirit transparently can be an experience to meet another ‘I’(a real ‘I’) that is hidden in the persona oppressed, broken and popped. So the artist 's work is self - reflective. Buddhist meditation practice facing the wall is constantly asking the same question – who am I? -.  A mirrored room that reflects people who perform meditation endlessly expresses this self - reflective tendency. Perhaps it will represent an ontological desire to deny denial, and thus to achieve great affirmation after all. Ultimately, the desire will even be nullified, and so the existence itself will disappear without a trace and will represent a certain level and dimension.
Such a universal human being is the ontological subject, and the existential self is fragile and wounded. The shape, the atypical scratch that comes from the process of changing the texture of the surface, and the speckled color feeling are like that. It is the existence of the internalization of the wound. Therefore it may represent the silent voice that can not be uttered, and the presence of condensed inner voice. So the energy of Patos goes round the works of the artist. However, it is not intense, but there is a minimal form that suppresses the action and  a condensed form that opens toward the inner surface.  The artist, however, does the subject "silent voice". It is the sound of his inner voice, listening to the sound of the true self (Jin-a) from the bottom of the abyss, and moving his tilt to work. As such, the artist 's work is universal in that it is based on the inner reflection of one' s own individual, but at the same time communicates with the ontological reflection of universal humanity. Especially, it is getting sympathy to see the reality of human beings as a wound.

On the other hand, such broken and worn forms, atypical scratches, and speckled color emotions represent wounds as human ontological conditions, but at the same time, they represent their own times. The artist 's work is a long-lived product in him, and reminds me of excavated artifacts. It discovers and digs out sorrow sleeping on the bottom of the abyss, and it is not unrelated with the subject consciousness of the task engaging in such wounds and confronting the forgotten self. So the artist borrows time to recall the forgotten self and the present self. It is a traditional mural, replacing the chair. It looks like an antique, a product, and an incarnation of time itself.
The title that the media featuring his works chose is interesting - He is the artist of a breaking and breaking piece. He is a sculptor who expresses a wound by breaking a fine piece, which ultimately implies the meaning of a sculptor breaking the self. This has made the subject consciousness of the artist clear. The artist's reckless action(?), which breaks the fragile sculpture, is intended to express the invisible inner wounds and to hear the silent sound that can not be heard through such perforated holes. It is for such a wounded self and confrontation with the existence of human beings, and therefore it is to practice the plan which meets the true self (Jin-a) by breaking the false self in the past. So the artist usually expresses the wound by breaking the independent sculpture, but sometimes it indicates another existent human being built with the torso on top of it and the body of imperfect things.

Gilles Deleuze said that there is a distinctiveness of art in creating while destroying. There are many statements about this creative destruction, even if it is not Deleuze’s. Through the process of breaking and re-establishing common sense and rationally construed things (what would have been called Doxa in the case of Roland Barthes), it is possible to salvage the individuals that are not universal and to find the meanings of the good. The theme of the sound of silence, and the existential human group wearing wholly broken body shell are in line with the theory of the art of action logic. Like the artist's words, he intends to create a new creative resonance with intentional destruction. Thus, the broken and pecked holes in the sculptures of the artist can be seen as wounds to represent(or rather demonstrate) the ontological condition of human existence, and also as an occasion for self- awakening.

1982  동아대학교 미술학과 졸업
1988  동아대학교 교육대학원 졸업

個人展
  1997  제1회 개인전 (부산현대아트홀)
  2003  제2회 개인전(갤러리 몽마르트)
  2004  제3회 개인전(안양문화예술원 초대)
  2008  제4회 개인전(김재선 갤러리 초대)
  2010  제5회 개인전(갤러리 몽마르트르 초대)
  2017  제6회 개인전(부산시민공원 다솜갤러리)
  2018  제7회 개인전(인사아트센터)
  2018  제8회 개인전(RAW gallery)
  2019  제9회 개인전(제뉴인갤러리)
  2020  제10회 개인전(E 웰니스갤러리)
  2021  제11회 개인전(세종갤러리)

團體 및 招待展
  1980  object 12인의 현장전
  1985 ～ 2018 동아도예가회전
  1986 ～ 2001대한산미협회전
  1988 ～ 2016 부산미술제
  1989 ～ 2018 부산도예가회전
  1991  전환된 物性 陶金展 (다다Gallely)
  1991  현대도예의 현상과 전망전 (광주, 대구)
  1991 ～ 1995  서울현대도예 비엔날레 (서울시립미술관)
  1993  한국도자조형회전 (디에아르)
  1994  오름갤러리 초대 - 봄, 오름전 (부산)
  1994  한일도예대학 29인전
  1994  한국현대도예 30년전 (국립현대미술관)
  1994  국제도예대전
  1997  호주 NSW대학 초청전(호주 시드니)
  1998  경계해체와 표현의 확장전(부산시립미술관 초대전)
  2000 새 천년의 소리 울림전(갤러리 세원)
  2001 세계도자 엑스포 워크샾 참가(경기도 이천 도자공방)
  2002 TEAM 일본전(후쿠이 시립미술관)
  2002 오팔 개띠전(갤러리 통 기획 초대전)
  2003 경남산업디자인 추천작가전
  2004 국제공예교류전(금정문화원)
  2005 40-움직임 33인전(갤러리 자미원초대)
  2005  APEC 기념초대전(기장도예문화관)
  2006 ‘07 부산국제환경예술제(부산문화회관)(을숙도문화회관)
  2006 양산성당 성모상 및 성물제작
  2007 갤러리 불루홀 공예작가 초대전(갤러리 불루홀)
  2007 경남산업디자인추천작가전
  2008 부산미술 80년, 부산의 작가들(부산시립미술관개관10주년 기념전)
  2008 가톨릭미술인회원전(부산디자인센터)
  2008.4.30~5.6 Contemporary Neo_metaphor2008전(인사아트센터)
  2010.8 한국가톨릭100인 초대전(대구경북디자인센터)
  2011  동원장복만 흉상제작
  2015 시민공원개장1주년기념전
  2015 craft recipe흙+나무 부산시립미술관기획초대전 
  2016 부산산업디자인전 심사위원
  2016 BFAA부산국제아트페어 부스전
  2016 울산최고장인심사위원
  2016 부산진구예술인회전
  2016 시민공원개장2주년기념전
  2016 동아대학교개교 70년 기금전  
  2016 가치있는 삶전-김해국제공항갤러리
  2016 수불스님 초상조각제작
  2017 대장경문화축전 생활속에 꽃피는 우리문화,예술전 
  2017 부산미술제
  2017 공예 예술전
  2017 동아도예가회40주년전
2017 부산진구문화예술인전
  2017 BFAA부산국제아트페어 부스전
  2019 동아대학교 개교70주년 전
  2019 부산미술제
  2019 청주공예비엔날레 초대출품
  2021 BAMA 아트페어

작품소장
   부산 남부민동 LG마린타워 도자조형물 설치
   양산대학 본관, 종합대체육관
   이천세계도자센터
   아르피나유스호스텔
   롯데마트 웅상점 조형물 설치
   양산성당 성모상 및 성물제작
   동원장복만 흉상제작
   동원정관2차 조형물 제작
   동원온천아파트 조형물 제작
   일본 성마리아 국제의료센터 작품소장
   가야테마파크도자조형물 제작
   김성수 통영옻칠관장 초상조각제작
   수불스님 초상조각제작

현재
  사단법인 한국미술협회 회원
  부산도예가회 회원
  동아도예가회 회원
  TEAM(감성전달운동)회원
  경남 산업디자인전 초대작가
  동원과학기술대학교 교수역임
현/동아대학교 대학원 겸임교수
감성공간연구소 대표

자기생성의 노출과 도약

색과 형태는 사물의 현실감을 증폭시킨다. 그러나 이세훈의 색과 형태는 현실의 일탈을 보여준다. 낡은 색, 무너진 형태, 깨어진 형상, 덕지덕지 묻은 이물감이 그렇다. 얼굴은 온전한 것이 없다. 깊은 선들로 난자당한 모습이거나 아예 한쪽이 떨어져 나가 얼굴을 찾아내기 힘들고, 겨우 눈이나 코, 입의 자국이 얼굴의 표정을 대신할 뿐이다. 어떤 표정도 목격하기 힘들다. 아예 표정 자체를 지우고 있다. 오랜 세월 묻혔다 발굴된 불상을 연상시킨다. 물론 그 시간성에도 불구하고 우리의 얼굴임을 부정하지 못하게 한다. 온전해 보이는 인물상들은 다들 손을 가슴까지 올리거나 앞으로 깍지 낀 채 만나게 된다. 그것으로 <침묵의 소리>를 대신한다.

  이세훈의 이번 전시(2018.10.24-10.30. 서울인사아트센터 부산갤러리)는 인물이 주를 이룬다. 그 인물들은 지금의 사람이 아니라 고대인의 형상을 하거나 상투적인 도상을 보여준다. 오래된 시간의 무늬를 지닌 형상들이다. 시간의 흔적을 위해 때로는 도용의 흔적마저 거부하지 않는다. 현재의 인물, 지금 만나고 대화를 나누는 사람이 아니라 다소 관념적이고 개념적인 도상이다. 그가 묘사하고 구축하는 인물이 눈앞의 인물, 구체적인 특정 인물이 아니라는 것이다. 그런 까닭에 그의 인물들을 다소 익숙하고 도식적이며 개념적이라 한 것이다. 그래서 새롭지 않고 구체적인 현실감을 보여주지 않는다. 형태도 색상도 조형적 의지도 별다른 점이 없다. 그런데도 그가 보이는 인물은 익숙한 인상 사이에서 놓치고 있는 삶의 무늬를 보게 만든다. 익숙한 것에서 얻어지는 충돌의 어긋남이랄까. 그것은 다름 아니라 작품에서 만나는 시간 무늬이다. 시간의 무늬는 완성 이후의 형태들이며, 지금의 시간으로는 미완의 순간이거나, 와해 되거나 해체된 낡은 색과 형상들이 띠는 양가성이다. 아직 형성을 다 끝내지 못한 상태로 완성으로 나아가는, 역으로 완성의 형태에서 해체의 상태로 나아가는 운동의 층위가 그런 점이다. 형태가 무너졌거나 색이 낡았거나 어딘가 충격으로 깨어졌거나 금 간 흔적들이 던지는 파열음, 오랜 시간 끝에 발굴된 것 같은 감각적 지점이 던지는 침묵이다. 

  그가 보이는 인물상은 대체로 3가지 특징을 보여준다. 첫째는 구체적인 형상을 구축한 인물들로 온전하게 모습을 갖춘 도상이다. 둘째는, 인물상은 분명하나 얼굴이나 몸통, 손과 팔이 온전하지 못해, 미완의 이미지를 주는 것이다. 셋째는 인물이긴 하지만 형상을 알아볼 수 없는 비구상적 특징을 기저로 한 것들이다. 이런 형상들에는 특별한 조형적 시도나 의지가 보이는 격렬한 태도가 없다. 그저 어디서 본 듯한 것들의 연속이다. 게다가 도조라는 일반적인 인상에서도 크게 벗어난 것 같지 않다. 환조나 부조 모두 비구상적인 형태에서 구체적인 형태로 나아가거나 구체적 형상에서 추상적 형태로 와해 되거나 해체되는 양면성을 보여준다. 인물을 소재로 했다는 외는 일관된 의지를 읽기 힘든 난삽함도 덧붙어진다. 그러나 그 양면성을 숨기려 하지 않고 노출하고 있다는 점에서 그런 의지의 배후를 묻게 되는 것이다

  환조로 된 작업은 온전한 형태를 가진 것이나 좌상처럼 얼굴이나 몸통에 심한 균열이나 박락이 있는 경우조차 <침묵의 소리>로 제시된다. 굳이 두 경향을 가를 이유가 없다는 것이고, 제명에 특별한 의미를 부여하여 차이를 두지 않는다는 태도이기도 하다. 다만 얼굴의 묘사가 대부분 생략되거나 심한 훼손이 있다는 점에서 공통점을 찾을 수 있다. 그 연유를 숨겨두고 있는 셈이다. 미완의 형상은 가능성의 형태이자 해체의 형태로서 침묵을 목격하게 하는 통로다. 거친 채색(유약)의 흔적이 드러나고 묘사와 묘사를 벗어나는 사이에서 얻어지는 형상의 가능성과 비가능성이 그런 것이고, 묘사와 탈묘사라는 이중적 충동이 주는 양가적 감성을 숨기지 않는다는 것이다. 

좌선의 불상이거나 나한상으로 보이는 좌상 <침묵의 소리>에는 아예 얼굴이 없다. 두상이 없는 것이 아니라 표정을 읽을 수 있는 눈, 코, 귀 따위가 잘려나가고 없다. 어깨는 깨어졌고, 다리 위에 놓인 한 손 역시 깨어지고 없다. 거친 자국은 시간의 흐름을 고스란히 보여준다. 흰색과 황색이 얼룩처럼 바탕을 드러내는 색조는 고대 도용을 보는 듯하다. 좌상에서 얻어지는 침묵의 목소리는 상식적이다. 그러나 그런 상투성이야말로 침묵의 여지가 던지는 것에 대해 말할 수 없다는 점을 드러내는 지점 아닌가. 그리고 그 지점이야말로 인간과 영성 사이에서 시간의 켜와 도약을 바라보는 작가의 의지를 목격하게 한다.

  다른 작업에서도 마찬가지지만 그의 작업이 주는 상투성, 그것은 익숙하다는 다른 말이지만, 그 익숙함이 주는 친근감이나 통상적인 감정적 이해에서 느닷없이 만나지는 시간의 충돌이 이끄는 도약은 또 다른 힘이다. 통상적인 감성의 불협화, 익숙한 것 사이에서 얻어지는 생경한 충돌이다. 

  다른 하나는 부조로서 드로잉을 한 듯 자유로운 선과 형태들을 가지고 배치하는 <섬>이다. <섬>은 섬의 재현이나 인물의 단순한 구성적 배려가 아니라 배치를 통해 드러나지 않는 의미들을 생성하려 한다. 그 배치의 근저를 이루고 있는 것은 남성이나 여성의 누드다. 단독자이거나 군상이다. 벽면에 이들 형상을 배치하면서 섬이라는 이미지를 지우고 인간을 불러내려 한다. 인간과 인간 사이의 관계야말로 섬을 이루는 타자/시간을 의미화하는 것이다. 부조이긴 하지만 평면성이 강하다. 드로잉의 선조가 그런 인상을 강하게 하는 것 같다. 대상으로 드러나는 형태들에서는 구축적이기보다 해체적인 회화성이 돋보인다. 선들로 이루어진 형상들이 주는 인상은 구체적인 묘사 너머의 것에 시선을 두게 한다. 평면성에의 접근과 얼굴 없는 인물들의 비구체성을 통해 시간의 켜를 넘어서는 지점을 찾아간다. 평면성이 강한 부조는 환조의 구체적 형상이 던지는 환상과는 다르다. 그것이 묘사가 아니라 현실일탈의 지점으로 이끌어 준다. 선. 색조를 이끌어가는 드로잉, 손가락과 도구가 파고든 흔적들이 현실 바깥을 날카롭고 부드럽게 불러들인다.

   부조를 부착하는 방법의 편의성 때문이기도 하겠지만 인체를 두 토막으로 나뉜 선들의 이접(異接)은 다른 것들을 접촉하는 방법이자 이접과 연접(連接)을 이끄는 내용이기도 하다. 미완이자 완성으로 나아가는, 이질성의 결합이 보여주는 힘, 운동감, 지향성을 한꺼번에 얻어내는 감각이다. 환조에서 보이는 미완의 영역은 이곳에서 나뉜 선과 결합의 선들로 연계성을 보여준다.
 
   사람과 사람 사이에 <섬>이 있고 시간이 있다. 시간은 섬과 섬을 잇고 사람과 사람을 잇는다. 그러나 그 섬은 사람의 시간으로 분절되어 있고 분절은 또 하나의 시간으로 이접(離接)과 접속의 양가성의 이미지를 만든다. 그곳에는 이접의 순간이 만드는 시간이 있고, 이접(異接)의 거부와 순접의 호응이 함께 한다. 그리고 그 순간은 고대와 현대의 시간이 겹쳐진다. 그 사이에서 우리는 시간이 만드는 형상들, 미완의 형상들이 표정을 갖고 하나의 제스처가 되어간다. 이접으로 타자의 시간 속으로 이입해간다. 부조와 환조를 오가며, 형상과 탈형상을 오가며, 드로잉적 접근과 구축적인 형상에서 색과 형태는 사물의 현실감을 증폭시키고 현실에서의 일탈을 보여준다. 낡은 색, 무너진 형태, 깨어진 형상, 덕지덕지 묻은 이물감이 만드는 파열음이야말로 그가 던지는 통상적인 일상으로부터 도약하는 순간이다. 

환조든 부조든 성형토의 재료성을 드러내는 과감함은 물질성을 드러냄으로 묘사로부터 자 유롭고 도조적인 유약성분의 매끄러운 마무리에서 오는 상투적 인상에서 벗어나게 한다. 이런 인물이 던지는 익숙한 도상들의 충돌은 시간의 켜를 만들고, 현실에서의 일탈은 <침묵의 소리>와 <섬> 사이를 관계로 읽게 한다. 그러나 “작품은 메시지를 담거나 전달하는 것이 아니라, 작품을 구성하는 자기생산과정을 건설하고 보여주는 것”이라는 과정에 대한 적극적인 사유야말로 테라코타와 도조 사이에서, 이질적인 표현 재료들 전체를 가로지르는 침묵의 소리이며 또 하나의 도약의 지점일 것이다.
강 선 학(미술평론가)